Vivimos pegados a nuestros teléfonos móviles y a cada paso que damos, nos detenemos unos segundos para fotografiar y subir a la nube nuestro día a día. Lo que comemos, los edificios que transitamos o, incluso, a nosotros mismos, en un contemporáneo ejercicio de narcisismo.
Pero en realidad esto no hace más que quitarnos el placer del ser y estar en el momento precisa. Nos privamos del derecho a vivir nuestra realidad. El tiempo se nos cuela por los dedos mientras luchamos por congelar momentos para guardarlos más allá de la memoria. Por eso estamos enamorados de la fotografía analógica, porque requiere tiempo, cariño y esfuerzo, tres dimensiones que se pierden entre las hojas de nuestra abarrotada agenda.
Con la fotografía analógica, cada disparo lleva momentos de ensayo y error, de elegir el lugar, la luz y a sus protagonistas. Un ejercicio de justicia poética y de amor por lo que hay más allá de nuestros epicentros vitales.
Dentro del contexto de la fotografía analógica, nace La lomografía, un movimiento fotográfico artístico y experimental caracterizado por el uso de cámaras de bajo coste que producen imágenes con colores saturados, alto contraste, viñeteado y fugas de luz inesperadas.
La Lomografía debe su nombre a una cámara de fabricación soviética, la Lomo Kompact Automat o Lomo LC-A. Corría el año 1991, dos estudiantes de arte austríacos llamados Matthias Fiegl y Wolfgang Stranzinger pasaban sus vacaciones en Checoslovaquia. En aquel entonces, el país estaba saliendo de la esfera de influencia soviética y aún podían encontrarse productos de la URSS a precio de saldo. A día de hoy, sigue siendo mucho más que una cámara, es una forma de ver, un modo de mirar, una manera de vivir.
Se rige por "Las 10 reglas de oro", que incluyen llevar la cámara a todas partes y no preocuparse por la técnica.
